Origen:
El origen del género dramático se dio en la antigua Grecia en el siglo v a.c. En honor a dioses griegos como Dionisio, dios del vino y la fertilidad
el carácter religiosos de estas representaciones se manifestaba en cantos, coreografías y música.
El espacio donde se realizaban estos rituales se llamaba theatron (lugar para contemplar)
el carácter religiosos de estas representaciones se manifestaba en cantos, coreografías y música.
El espacio donde se realizaban estos rituales se llamaba theatron (lugar para contemplar)
Evolución:
En Roma, el único teatro latino eran farsas improvisadas. La tragedia y la comedia fueron cultivadas por imitación de la cultura griega. Sobresalen en la comedia Plauto y Terencio, indulgente conocedor del alma humana: En la Edad Media el teatro grecolatino había caído en el olvido general. Más trascendencia tuvo el teatro religioso, que dará lugar, en España, al género de los Autos Sacramentales. Es en los siglos XVI y XVII, cuando las literaturas modernas llegan a su madurez y se produce la admiración por la antigüedad impulsada por el Renacimiento, el momento de recuperación de las formas de teatro clásico.
Se produce, también entonces, una cuestión de importancia decisiva para la orientación futura del teatro: la de las tres unidades dramáticas. Aristóteles había recomendado que la acción de la tragedia fuese una sola y había observado que en el teatro griego se procuraba que su duración cupiera en un día o rebasara en poco ese límite. Los preceptistas del siglo XVI convirtieron en norma estas indicaciones, postulando las unidades de acción y tiempo y añadiendo la de lugar. Además, como en el teatro grecolatino no se mezclaban elementos trágicos y cómicos en un misma obra, se defendió a rajatabla la separación de los géneros. En este momento los grandes teatros de la época se hallaban en trance de fijar su forma definitiva y estaban ante un dilema: acatar dichas normas o actuar con libertad. Este es el camino tomado por el teatro inglés, que llega a su máximo esplendor con W. Shakespeare, y el teatro español que recibió su pauta definitiva de Lope.
En Francia el teatro cristalizó más tarde, ya muy entrado el s. XVII. Triunfa un teatro clásico, hierático, ampuloso y altisonante que, no sólo se somete a las reglas clásicas, sino que las interpreta más rigurosamente por el Art Poetique de Boileau. El ejemplo francés cundió, poco a poco, por toda Europa. La mayor influencia se da en el siglo XVIII, aunque nutriéndose ya de las glorias pasadas.
Hacia el final del s. XVIII, mientras surge la tragedia burguesa y la comedia irónicamente llamada lacrimosa (cargada de patetismo artificial), comienza la reacción contra el clasicismo. Se vuelve a lo nacional y se buscan en la propia espiritualidad los recursos del arte dramático. En Alemania se admira el teatro español y el de Shakespeare. El drama romántico se caracteriza por una especial complacencia en pisotear las reglas: se mezcla lo trágico y lo cómico, a veces, también la prosa y el verso, y no se hace el menor caso de las tres unidades.
El drama romántico se agotó pronto. Hacia las décadas de 1860/60 surgen la alta comedia y el drama de costumbres. Es teatro que se ocupa de los problemas de la vida social, especialmente de los más actuales en el momento, puesto en marcha por la burguesía, hecho a su imagen y semejanza. Sus autores no saben crear una forma, y surge la fórmula de la pieza inicial bien hecha, que no es más que la reducción burguesa de los presupuestos del teatro francés con sus tres unidades.
Se produce, también entonces, una cuestión de importancia decisiva para la orientación futura del teatro: la de las tres unidades dramáticas. Aristóteles había recomendado que la acción de la tragedia fuese una sola y había observado que en el teatro griego se procuraba que su duración cupiera en un día o rebasara en poco ese límite. Los preceptistas del siglo XVI convirtieron en norma estas indicaciones, postulando las unidades de acción y tiempo y añadiendo la de lugar. Además, como en el teatro grecolatino no se mezclaban elementos trágicos y cómicos en un misma obra, se defendió a rajatabla la separación de los géneros. En este momento los grandes teatros de la época se hallaban en trance de fijar su forma definitiva y estaban ante un dilema: acatar dichas normas o actuar con libertad. Este es el camino tomado por el teatro inglés, que llega a su máximo esplendor con W. Shakespeare, y el teatro español que recibió su pauta definitiva de Lope.
En Francia el teatro cristalizó más tarde, ya muy entrado el s. XVII. Triunfa un teatro clásico, hierático, ampuloso y altisonante que, no sólo se somete a las reglas clásicas, sino que las interpreta más rigurosamente por el Art Poetique de Boileau. El ejemplo francés cundió, poco a poco, por toda Europa. La mayor influencia se da en el siglo XVIII, aunque nutriéndose ya de las glorias pasadas.
Hacia el final del s. XVIII, mientras surge la tragedia burguesa y la comedia irónicamente llamada lacrimosa (cargada de patetismo artificial), comienza la reacción contra el clasicismo. Se vuelve a lo nacional y se buscan en la propia espiritualidad los recursos del arte dramático. En Alemania se admira el teatro español y el de Shakespeare. El drama romántico se caracteriza por una especial complacencia en pisotear las reglas: se mezcla lo trágico y lo cómico, a veces, también la prosa y el verso, y no se hace el menor caso de las tres unidades.
El drama romántico se agotó pronto. Hacia las décadas de 1860/60 surgen la alta comedia y el drama de costumbres. Es teatro que se ocupa de los problemas de la vida social, especialmente de los más actuales en el momento, puesto en marcha por la burguesía, hecho a su imagen y semejanza. Sus autores no saben crear una forma, y surge la fórmula de la pieza inicial bien hecha, que no es más que la reducción burguesa de los presupuestos del teatro francés con sus tres unidades.
Principales Autores:
Esquilo:
Esquilo, dramaturgo griego, fue predecesor de Sófocles y Eurípides y es considerado como el creador de la tragedia griega. Nació en Eleusis, Ática, lugar en donde se celebraban los misterios de Eleusis. Nació en una familia noble y rica de terratenientes.
Luchó en las guerras contra los Persas. Su obra Los persas y Los siete contra Tebas, hablan de sus experiencias de guerra. En su obra Los Suplicantes hace referencia acerca del poder del pueblo y la representación del Ereópago, tribunal encargado de los juicios a los homicidas.
En su obra Las Euménides, se apoya la reforma de Efialtes, transferencia de poderes políticos del Aerópago al Consejo de los quinientos.
Fue acusado de rebelar los misterios de Eleusis, por dicha razón fue juzgado y luego absuelto.
En Las Mujeres de Etna, habla de la ciudad de Etna, fundada por el tirano Hierón. Puso en escena Los Persas. Luego representó la Orestíada, volvió a Sicilia, y murió en Gela, entre 456 adC y 455adC. Poco antes de su muerte, el oráculo vaticinó que moriría aplastado por una casa, por lo cual decidió ubicarse en las afueras de la ciudad. Sin embargo, murió a causa de un golpe con la caparazón de una tortuga, misma que fue soltada desde el aire por un quebrantahuesos.
Escribió 82 piezas. Fue considerado el mejor dramaturgo de su época y solo fue vencido y aventajado por Sófocles.
Posterior a su muerte, sus obras fueron presentadas en el agón, junto con obras de dramaturgos vivos. Esto se consideraba un honor, ya que era prohibido representar obras de autores ya fallecidos.
De toda su obra sólo se conservan siete piezas, seis de ellas premiadas, y sustanciosos fragmentos de otras tantas.
Pese a la importancia de su obra, en su epitafio, Esquilo no fue recordado como poeta o dramaturgo, sino por su valor en la batalla de Maratón.
El interés central de los dramas de Esquilo se halla, principalmente, en la situación y en su desarrollo, más que en los personajes. El personaje que ha sido más trabajado por el autor es Clitemnestra en la Orestíada.
Luchó en las guerras contra los Persas. Su obra Los persas y Los siete contra Tebas, hablan de sus experiencias de guerra. En su obra Los Suplicantes hace referencia acerca del poder del pueblo y la representación del Ereópago, tribunal encargado de los juicios a los homicidas.
En su obra Las Euménides, se apoya la reforma de Efialtes, transferencia de poderes políticos del Aerópago al Consejo de los quinientos.
Fue acusado de rebelar los misterios de Eleusis, por dicha razón fue juzgado y luego absuelto.
En Las Mujeres de Etna, habla de la ciudad de Etna, fundada por el tirano Hierón. Puso en escena Los Persas. Luego representó la Orestíada, volvió a Sicilia, y murió en Gela, entre 456 adC y 455adC. Poco antes de su muerte, el oráculo vaticinó que moriría aplastado por una casa, por lo cual decidió ubicarse en las afueras de la ciudad. Sin embargo, murió a causa de un golpe con la caparazón de una tortuga, misma que fue soltada desde el aire por un quebrantahuesos.
Escribió 82 piezas. Fue considerado el mejor dramaturgo de su época y solo fue vencido y aventajado por Sófocles.
Posterior a su muerte, sus obras fueron presentadas en el agón, junto con obras de dramaturgos vivos. Esto se consideraba un honor, ya que era prohibido representar obras de autores ya fallecidos.
De toda su obra sólo se conservan siete piezas, seis de ellas premiadas, y sustanciosos fragmentos de otras tantas.
Pese a la importancia de su obra, en su epitafio, Esquilo no fue recordado como poeta o dramaturgo, sino por su valor en la batalla de Maratón.
El interés central de los dramas de Esquilo se halla, principalmente, en la situación y en su desarrollo, más que en los personajes. El personaje que ha sido más trabajado por el autor es Clitemnestra en la Orestíada.
Sófocles:
Sófocles nació en Colona, una localidad cercana a Atenas (Grecia), en el año 496 antes de Cristo. Su familia adinerada se dedicaba al comercio.
Escribió más de un centenar de títulos caracterizadas por su vigor dramático y la arquitectura compleja de tramas. De ese conjunto de obras solamente se conservan siete tragedias: Áyax (450 A. C.), Antígona (441 A. C.), Edipo Rey (430 A. C.), Las Traquinias (415 A. C.), Electra (413 A. C.), Filoctetes (409 A. C.) y Edipo en Colonna (401 A. C., publicada póstumamente). También ha pasado a la historia un drama satírico titulado "Los Sabuesos".
Sofocles está considerado junto al citado Esquilo y Eurípides como el escritor griego más importante de tragedias siendo las novedades más significativas que implantó con sus textos, la introducción del tercer actor, lo que redujo la importancia del coro (a pesar de que aumentó su número a quince miembros), provocando una mayor hondura en la definición de sus personajes y situaciones, con un mayor protagonismo para los diálogos y en la anuencia ética de sus caracteres con el destino guiado por los dioses.
Escribió más de un centenar de títulos caracterizadas por su vigor dramático y la arquitectura compleja de tramas. De ese conjunto de obras solamente se conservan siete tragedias: Áyax (450 A. C.), Antígona (441 A. C.), Edipo Rey (430 A. C.), Las Traquinias (415 A. C.), Electra (413 A. C.), Filoctetes (409 A. C.) y Edipo en Colonna (401 A. C., publicada póstumamente). También ha pasado a la historia un drama satírico titulado "Los Sabuesos".
Sofocles está considerado junto al citado Esquilo y Eurípides como el escritor griego más importante de tragedias siendo las novedades más significativas que implantó con sus textos, la introducción del tercer actor, lo que redujo la importancia del coro (a pesar de que aumentó su número a quince miembros), provocando una mayor hondura en la definición de sus personajes y situaciones, con un mayor protagonismo para los diálogos y en la anuencia ética de sus caracteres con el destino guiado por los dioses.
Eurípides:
(Salamina, actual Grecia, 480 a.C.-Pella, hoy desaparecida, actual Grecia, 406 a.C.) Poeta trágico griego. De familia humilde, Eurípides tuvo como maestros a Anaxágoras, a los sofistas Protágoras y Pródicos y a Sócrates, cuyas enseñanzas se reflejan en su obra.
Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo frente a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el tono heroico y espiritual que habían cultivado Esquilo y Sófocles a un tratamiento más cercano al hombre y la realidad corrientes.
El héroe aparece retratado con sus flaquezas y debilidades, dominado por oscuros y secretos sentimientos que le impiden enfrentarse a su destino, del que finalmente es liberado por la intervención de los dioses al término de la obra (recurso llamadodeus ex machina, por los artilugios escénicos que usaba para introducir al dios); otras innovaciones suyas son la introducción de un prólogo y la asignación de un papel más reducido al coro. En sus tragedias pasa a primer término el tratamiento psicológico de los personajes, de gran profundidad.
Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo frente a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el tono heroico y espiritual que habían cultivado Esquilo y Sófocles a un tratamiento más cercano al hombre y la realidad corrientes.
El héroe aparece retratado con sus flaquezas y debilidades, dominado por oscuros y secretos sentimientos que le impiden enfrentarse a su destino, del que finalmente es liberado por la intervención de los dioses al término de la obra (recurso llamadodeus ex machina, por los artilugios escénicos que usaba para introducir al dios); otras innovaciones suyas son la introducción de un prólogo y la asignación de un papel más reducido al coro. En sus tragedias pasa a primer término el tratamiento psicológico de los personajes, de gran profundidad.
FORMAS MAYORES:
Tragedia:
Es una forma dramática que tuvo su origen en la antigüedad. Se refiere a un episodio fatal de la vida, que termina en forma triste o con la muerte del protagonista. Habitualmente el conflicto trágico es producto de la ruptura del orden del mundo, evento que enfrenta a los personajes con un destino inexorable.
La tragedia, desde siempre y por siempre.Es la imitación de una acción elevada y completa, de cierta magnitud, en un lenguaje distintamente matizado según las distintas partes, efectuada por los personajes en acción y no por medio de un relato, y que suscitando compasión y temor lleva a cabo la purgación de tales emociones.
La historia trágica imita acciones humanas en torno al sufrimiento de los personajes y a la piedad, hasta el momento del reconocimiento de los personajes entre sí o de la toma de conciencia del origen del mal.
El gran modelo de la tragedia como forma dramática lo encontramos en las obras de los clásicos griegos.
La tragedia floreció en el siglo V a.C. con autores como Esquilo, Sófoclesy Eurípides.
Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).
Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales. Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y canciones del coro.
Las obras se representaban en festivales en honor de Dioniso; entre estos festivales se encontraban el Gran Dionisíaco de Atenas, en primavera; el Dionisíaco Rural, en invierno; y la Lenaea, también en invierno tras el Rural. Se seleccionaban las obras de tres poetas para su representación. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada poeta tenía que presentar una sátira y una farsa, a menudo atrevida parodia sobre los dioses y sus mitos.
La tragedia, desde siempre y por siempre.Es la imitación de una acción elevada y completa, de cierta magnitud, en un lenguaje distintamente matizado según las distintas partes, efectuada por los personajes en acción y no por medio de un relato, y que suscitando compasión y temor lleva a cabo la purgación de tales emociones.
La historia trágica imita acciones humanas en torno al sufrimiento de los personajes y a la piedad, hasta el momento del reconocimiento de los personajes entre sí o de la toma de conciencia del origen del mal.
El gran modelo de la tragedia como forma dramática lo encontramos en las obras de los clásicos griegos.
La tragedia floreció en el siglo V a.C. con autores como Esquilo, Sófoclesy Eurípides.
Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).
Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales. Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y canciones del coro.
Las obras se representaban en festivales en honor de Dioniso; entre estos festivales se encontraban el Gran Dionisíaco de Atenas, en primavera; el Dionisíaco Rural, en invierno; y la Lenaea, también en invierno tras el Rural. Se seleccionaban las obras de tres poetas para su representación. Aparte de tres obras trágicas (una trilogía), cada poeta tenía que presentar una sátira y una farsa, a menudo atrevida parodia sobre los dioses y sus mitos.
Comedia:
Es una forma en la que la acción dramática discurre de manera opuesta a la tragedia. Si en la tragedia los personajes cambian de un estado favorable a uno desfavorable, en la comedia se da un ascenso en el estado de los personajes.
Es la imitación de las personas más vulgares; pero no vulgares de cualquier clase, de cualquier fealdad física o moral, sino de aquella única especie que supone lo ridículo.
Describe, intelectualmente deformados, los aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los personajes son de condición inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la risa del espectador. Presenta aspectos cómicos u optimistas de la vida.
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de Aristófanes.
Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Con la expansión de la cultura griega a raíz de las conquistas de Alejandro III, el Magno, las comedias literarias y basadas en tópicos, así como las tragedias filosóficas, pasaron a ser poco apropiadas y dejaron paso a un tipo de comedia local, muy abundante, llamada nueva.
“El misántropo” es la única obra completa que se conserva de Menandro, el gran autor de comedias nuevas. La trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.
Es la imitación de las personas más vulgares; pero no vulgares de cualquier clase, de cualquier fealdad física o moral, sino de aquella única especie que supone lo ridículo.
Describe, intelectualmente deformados, los aspectos concretos y risibles de la vida cotidiana. Los personajes son de condición inferior, el desenlace es feliz y optimista, su finalidad es provocar la risa del espectador. Presenta aspectos cómicos u optimistas de la vida.
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de Aristófanes.
Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
Con la expansión de la cultura griega a raíz de las conquistas de Alejandro III, el Magno, las comedias literarias y basadas en tópicos, así como las tragedias filosóficas, pasaron a ser poco apropiadas y dejaron paso a un tipo de comedia local, muy abundante, llamada nueva.
“El misántropo” es la única obra completa que se conserva de Menandro, el gran autor de comedias nuevas. La trama gira alrededor de una complicación o situación que tiene que ver con amor, dinero, problemas familiares y similares. Los personajes son típicos e identificables, tipos socialmente simples, como el padre miserable o la suegra molesta.
Drama:
A diferencia de las formas anteriores, el drama no tiene un carácter definido, sino que en él se combinan indistintamente aspectos trágicos y cómicos. Esto se debe a que el drama pretende representar la vida tal cual es, razón por la cual tiende a tratar los asuntos de forma menos rígida que la tragedia y la comedia.
El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes.
Los primeros datos documentados de literatura dramática son del siglo VI a. C.; la primera obra crítica sobre la literatura y el teatro esPoética (330 a. C.) de Aristóteles.
Aristóteles sostenía que la tragedia griega se desarrolló a partir del ditirambo, himnos corales en honor del dios Dionisio que no solamente lo alababan sino que a menudo contaban una historia.
Según la tradición, Thespis, el director de un coro del siglo VI a.C., creó el drama al separar en un ditirambo el papel del personaje principal del resto del coro: él hablaba y el coro respondía. Según Aristóteles, desde ese hecho sólo había que dar un pequeño paso hacia la evolución del drama como forma independiente con la incorporación de otros actores y personajes. Pero el desarrollo espontáneo hacia el drama trágico, un género muy elaborado y sin precedentes, es difícil de documentar.
En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo comenzará a representar historias de héroes, en tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de los dioses.
El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes.
Los primeros datos documentados de literatura dramática son del siglo VI a. C.; la primera obra crítica sobre la literatura y el teatro esPoética (330 a. C.) de Aristóteles.
Aristóteles sostenía que la tragedia griega se desarrolló a partir del ditirambo, himnos corales en honor del dios Dionisio que no solamente lo alababan sino que a menudo contaban una historia.
Según la tradición, Thespis, el director de un coro del siglo VI a.C., creó el drama al separar en un ditirambo el papel del personaje principal del resto del coro: él hablaba y el coro respondía. Según Aristóteles, desde ese hecho sólo había que dar un pequeño paso hacia la evolución del drama como forma independiente con la incorporación de otros actores y personajes. Pero el desarrollo espontáneo hacia el drama trágico, un género muy elaborado y sin precedentes, es difícil de documentar.
En cuanto a los contenidos de los dramas, Esquilo comenzará a representar historias de héroes, en tanto que el teatro que lo precedió, tan sólo se ocupaba de las figuras de los dioses.
Tipos de Drama:
Drama histórico: el que tiene por asunto de su discurso a figuras, episodios o procesos históricos.
Drama isabelino: se desarrolla en Gran Bretaña, bajo el poder de Isabel I. Tudor.
Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto tienen preeminencia sobre la acción.
Drama litúrgico: gestado durante la Edad Media en España y Francia; su materialización está en los autos sacramentales.
Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de Viernes Santo, al aire libre.
Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.
Drama satírico: En el teatro griego, género bufo en el cual los personajes principales son sátiros y faunos.
Drama escolar: actividades teatrales realizadas en las universidades europeas, durante los siglos XVI y XVII.
Drama abstracto: El que en su desarrollo no se atiene a la lógica de las acciones humanas convencionales; así el teatro del absurdo.
Drama isabelino: se desarrolla en Gran Bretaña, bajo el poder de Isabel I. Tudor.
Drama Lírico: aquel en que la poesía y profundidad del texto tienen preeminencia sobre la acción.
Drama litúrgico: gestado durante la Edad Media en España y Francia; su materialización está en los autos sacramentales.
Drama de la pasión: comúnmente se representa el día de Viernes Santo, al aire libre.
Drama social: Se preocupa por la dignidad del hombre y ensalza la lucha del proletariado.
Drama satírico: En el teatro griego, género bufo en el cual los personajes principales son sátiros y faunos.
Drama escolar: actividades teatrales realizadas en las universidades europeas, durante los siglos XVI y XVII.
Drama abstracto: El que en su desarrollo no se atiene a la lógica de las acciones humanas convencionales; así el teatro del absurdo.
Tragicomedia:
Obra que participa de los géneros trágico y cómico. Tal es el caso de Anfitrión, de Plauto, primer autor en utilizar esta denominación.
Su desarrollo, a partir del Renacimiento, alcanzó gran relieve en los siglos XVIII y XIX; como el melodrama y el drama romántico. El género se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes —aristocracia y pueblo— y por la utilización de distintos lenguajes.
Su desarrollo, a partir del Renacimiento, alcanzó gran relieve en los siglos XVIII y XIX; como el melodrama y el drama romántico. El género se caracteriza por la indiferenciación de la clase social a la que pertenecen los personajes —aristocracia y pueblo— y por la utilización de distintos lenguajes.
Auto Sacramental:
Son representaciones de episodios bíblicos, misterios de la religión o conflictos de carácter moral y teológico. Inicialmente representados en los templos o pórticos de las iglesias; el más antiguo es el denominado Auto de los Reyes Magos.
Después del Concilio de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la Contra reforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Lope de Vega, etcétera.
Después del Concilio de Trento, numerosos autores, especialmente del Siglo de Oro español, escribieron autos destinados a consolidar el ideario de la Contra reforma, se destacan: Calderón de la Barca, Tirso de Molina, Lope de Vega, etcétera.
FORMAS MENORES:
Entremés
Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa, surgido en España, en el siglo XV. Los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra.
En el siglo XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.
Paso
Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias.
El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
Monólogo
Monodrama, pieza dramática interpretada por un solo actor, aun cuando en ella intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.
Farsa
Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad.
Vodevil
Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.
Y estaría también el teatro musical: Ópera, zarzuela y sainete, principalmente.
Ópera
Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos.
Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc.
El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni estrenan El Sátiro, La desesperación de Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.
Zarzuela
Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.
Sainete
Pieza jocosa de corta duración —inferior a un acto— de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con canciones o sin ellas.
Loa
Obra de circunstancias, alegórica. Su representación precedía en el s. XVII a la obra principal.
Pieza teatral cómica, en un solo acto y de trama jocosa, surgido en España, en el siglo XV. Los entremeses eran representados en los intermedios de las jornadas de una obra.
En el siglo XV, el término "entremés" se aplicaba en los festejos de cortes y palacios, a distintos torneos y danzas que se ejecutaban acompañadas de coros líricos.
Paso
Pieza dramática de breve duración, asunto sencillo y tratamiento cómico, que antiguamente se intercalaba entre las partes de las comedias.
El paso, denominado así por Lope de Rueda en el siglo XVI, está considerado como el precursor del entremés y se caracteriza por su lenguaje realista.
Monólogo
Monodrama, pieza dramática interpretada por un solo actor, aun cuando en ella intervengan varios personajes; es un parlamento de extensión superior a lo habitual en los diálogos, pronunciado en solitario o en presencia de otros personajes.
Farsa
Pieza cómica destinada a hacer reír. La diferencia entre la farsa y la comedia reside en el asunto; que en la primera al contrario que en la segunda, no necesariamente tiene que ser convincente o cercano a la realidad.
Vodevil
Comedia aligerada con canciones y bailes, de carácter marcadamente frívolo, alegre y de asunto amoroso, con marcada intriga y enredo; muy popular en Francia en los siglos XVIII y XIX.
Y estaría también el teatro musical: Ópera, zarzuela y sainete, principalmente.
Ópera
Representación teatral a lo largo de cuyo desarrollo cantan los distintos personajes; en ella la acción dramática se conjuga con la intervención de la orquesta, danza, palabra, decorado y otros elementos.
Conforme a su estilo y contenido, se puede hablar de ópera seria, bufa, idílica romántica, legendaria, etc.
El origen de la ópera se sitúa en la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni estrenan El Sátiro, La desesperación de Fileno y El juego de la ciega, consideradas como las primeras piezas de este género.
Zarzuela
Obra dramática y musical, en la que alternativamente se declama y se canta. Como género específicamente español, tiene sus orígenes remotos en la musicalización de distintos misterios y dramas. El creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina, estrenada en 1648 y otros dicen que fue Lope de Vega con La selva sin amor de 1629; el hecho de que muchas piezas de este género fueran representadas en la casa de recreo denominada La Zarzuela que la familia real poseía en el Pardo, acabó por conferirle su nombre.
Sainete
Pieza jocosa de corta duración —inferior a un acto— de carácter y argumento popular, en la que se ridiculizan los vicios y convenciones sociales; derivado del entremés y con canciones o sin ellas.
Loa
Obra de circunstancias, alegórica. Su representación precedía en el s. XVII a la obra principal.
Características del Género Dramático
Este género está escrito por un dramaturgo, quien es el autor de las obras teatrales, quien da origen a los personajes, que son los que van tejiendo y entretejiendo la trama que se desarrollará y que “darán vida” a lo escrito por el dramaturgo, pues una de las características de este género, es su capacidad para poder ser representado por otros. Estos “otros” pueden recrear un conflicto humano, el litigio entre dos posturas opuestas. Los temas que puede abordar el drama son múltiples y variados, pero siempre deben contener el elemento de una lucha entre dos fuerzas contrarias, que van a dar un clímax dentro de la obra teatral, donde una se impondrá sobre la otra, llegando a un desenlace. Esta lucha puede ser entre dos personas o varias o dentro de un mismo personaje, quien tiene una batalla interna o una angustia específica, que dan origen a la acción dramática.
La Acción Dramática
Es aquella acción (o acciones) que se estructuran a raíz de un conflicto entre dos fuerzas, como se mencionó anteriormente. En estas acciones, dentro de un mundo ficticio, participan personajes, quienes son los que irán luchando por conseguir sus metas y llegar a su objetivo final. Todo lo que suceda dentro de la representación estará asociada al diálogo y, de este modo, será posible conocer las motivaciones de cada uno de los participantes en la acción.
Personajes en el Drama
Al interior del género dramático existen personajes, los que representan el drama en sí mismo y éstos pueden ser de diferente rango o índole es decir, adquieren una postura determinada dentro de la acción. Los tipos de personajes, según el rol que representan, son: protagonista, antagonista, secundarios y colectivos.
-PERSONAJE PROTAGONISTA
Es en quien se centraliza la atención del drama. En torno a él se van desarrollando los diferentes acontecimientos y se teje la historia y es quien forma parte del conflicto dentro de la trama, ya que es el eje principal. Su rol es hallar una solución al conflicto que se le presenta para alcanzar sus objetivos. Este personaje representa – generalmente – los valores de la obra, valores que son eticamente correctos y aceptados por la sociedad o por el entorno en que se contextualizan las acciones.
-PERSONAJE ANTAGONISTA
Es muy importante en la obra, no tanto como el principal, pero es el segundo en relevancia. Este personaje representa la fuerza contraria al protagonista, se opone a sus deseos y trata de impedir que éste lleve a cabo sus objetivos. De la misma forma, sus valores son totalmente distintos de quien tiene el papel protagónico, llegando a asignárseles características o aspectos negativos en su modo de ser y de desenvolverse dentro de la sociedad representada en la obra. Es por ello, que en ocasiones su papel se asocia al “malo” de la historia.
-PERSONAJE SECUNDARIO
Pueden ser varios al mismo tiempo. No representan una fuerza en pugna, sin embargo, son aquellos que toman partido por el personaje principal o están del lado del antagonista, respaldándole y ayudándole a cumplir sus cometidos, ya que esa es su función dentro de la obra: ayudar, en el logro de sus objetivos, a los personajes de mayor importancia o peso dramático.
-PERSONAJES COLECTIVOS
Se refieres a un grupo de personajes que participan dentro de la obra dramática y que no se desenvuelven de modo individual, sino que toda su participación se remite al concepto de grupo: “los campesinos”, “los soldados”, “las mujeres”, “el pueblo”, “el coro”, entre otros sustantivos que impliquen colectividad. Aunque sea una sola persona su rol representa a muchas otras.
-PERSONAJES ALEGÓRICOS
Es el o los personajes que llevan consigo una sola característica, sea ésta de virtud o de vicio. Son los personajes simbólicos dentro del drama, que poseen características abstractas y actúan por sí mismos.
Asimismo, los personajes tienen una tipificación según la modificación que vayan experimentando durante el desarrollo de la acción dramática:
-PERSONAJES ESTÁTICOS
Son aquellos personajes que no cambian ni varían a medida que transcurren los acontecimientos. Sus rasgos y/o características se mantienen sin modificaciones desde el inicio hasta el término de la obra dramática.
-EVOLUTIVOS O DINÁMICOS
Son los personajes que sí van cambiando a medida que transcurren los acontecimientos dentro de la historia, se reconocen porque son los que experimentan evoluciones – en su forma de actuar o de ser – según van modificándose o sucediéndose los hechos en la obra.
Los personajes también pueden rotularse según el grado de complejidad de los rasgos que les constituyen:
-PERSONAJES PLANOS
Son los personajes que poseen una característica única, un rasgo absorbente y que domina su personalidad.
-PERSONAJES EN RELIEVE
Este tipo de personajes son aquellos que están constituidos por más de un rasgo que les distingue. Son personajes polifacéticos o multifacéticos, capaces de cambiar significativamente su personalidad sin complicaciones.
Es en quien se centraliza la atención del drama. En torno a él se van desarrollando los diferentes acontecimientos y se teje la historia y es quien forma parte del conflicto dentro de la trama, ya que es el eje principal. Su rol es hallar una solución al conflicto que se le presenta para alcanzar sus objetivos. Este personaje representa – generalmente – los valores de la obra, valores que son eticamente correctos y aceptados por la sociedad o por el entorno en que se contextualizan las acciones.
-PERSONAJE ANTAGONISTA
Es muy importante en la obra, no tanto como el principal, pero es el segundo en relevancia. Este personaje representa la fuerza contraria al protagonista, se opone a sus deseos y trata de impedir que éste lleve a cabo sus objetivos. De la misma forma, sus valores son totalmente distintos de quien tiene el papel protagónico, llegando a asignárseles características o aspectos negativos en su modo de ser y de desenvolverse dentro de la sociedad representada en la obra. Es por ello, que en ocasiones su papel se asocia al “malo” de la historia.
-PERSONAJE SECUNDARIO
Pueden ser varios al mismo tiempo. No representan una fuerza en pugna, sin embargo, son aquellos que toman partido por el personaje principal o están del lado del antagonista, respaldándole y ayudándole a cumplir sus cometidos, ya que esa es su función dentro de la obra: ayudar, en el logro de sus objetivos, a los personajes de mayor importancia o peso dramático.
-PERSONAJES COLECTIVOS
Se refieres a un grupo de personajes que participan dentro de la obra dramática y que no se desenvuelven de modo individual, sino que toda su participación se remite al concepto de grupo: “los campesinos”, “los soldados”, “las mujeres”, “el pueblo”, “el coro”, entre otros sustantivos que impliquen colectividad. Aunque sea una sola persona su rol representa a muchas otras.
-PERSONAJES ALEGÓRICOS
Es el o los personajes que llevan consigo una sola característica, sea ésta de virtud o de vicio. Son los personajes simbólicos dentro del drama, que poseen características abstractas y actúan por sí mismos.
Asimismo, los personajes tienen una tipificación según la modificación que vayan experimentando durante el desarrollo de la acción dramática:
-PERSONAJES ESTÁTICOS
Son aquellos personajes que no cambian ni varían a medida que transcurren los acontecimientos. Sus rasgos y/o características se mantienen sin modificaciones desde el inicio hasta el término de la obra dramática.
-EVOLUTIVOS O DINÁMICOS
Son los personajes que sí van cambiando a medida que transcurren los acontecimientos dentro de la historia, se reconocen porque son los que experimentan evoluciones – en su forma de actuar o de ser – según van modificándose o sucediéndose los hechos en la obra.
Los personajes también pueden rotularse según el grado de complejidad de los rasgos que les constituyen:
-PERSONAJES PLANOS
Son los personajes que poseen una característica única, un rasgo absorbente y que domina su personalidad.
-PERSONAJES EN RELIEVE
Este tipo de personajes son aquellos que están constituidos por más de un rasgo que les distingue. Son personajes polifacéticos o multifacéticos, capaces de cambiar significativamente su personalidad sin complicaciones.
Tipos de Estructura del Género Dramático
Interna y Externa
Interna:
El elemento central en la ordenación del mundo dramático viene constituido por la acción dramática elemento dinámico que configura las tres instancias representativas de la estructura interna.
-Presentación del conflicto
El conflicto es el germen estructurante de una obra dramática (sin conflicto no hay drama). Su desarrollo significa por una parte la producción de una acción dramática y por otra produce la evolución delos caracteres.De esta manera, acción y carácter son el centro de gravitacional dinámico de la obra.La presentación del conflicto varía de acuerdo a la obra.Podemos distinguir en términos generales, cuatro fases:
1-Entrega del protagonista
2-Su propósito
3-Mostración del obstáculo
4-Encuentro de las dos fuerzas en pugna.
Por lo tanto esta primera instancia nos revela el planteamiento del conflicto y de los personajes.
-Desarrollo de la acción dramática
La situación conflicto va progresando dinámicamente hasta llegar a un enfrentamiento decisivo delos personajes y sus contradicciones.Esto otorga la dimensión artística a la obra de teatro.Los diversos esfuerzos por superar a la fuerza antagónica dan lugar a un movimiento dramático.
-Desenlace de la acción dramática
Es la eliminación del obstáculo o la desaparición o anulación del protagonista.Al hablar de conflicto este puede materializar desde diversos puntos de vista.
Por eso, la fuerza antagónica puede ser un elemento externo o interno del propio sujeto, fuerza que obstaculiza el propósito de la fuerza protagónica.
-Presentación del conflicto
El conflicto es el germen estructurante de una obra dramática (sin conflicto no hay drama). Su desarrollo significa por una parte la producción de una acción dramática y por otra produce la evolución delos caracteres.De esta manera, acción y carácter son el centro de gravitacional dinámico de la obra.La presentación del conflicto varía de acuerdo a la obra.Podemos distinguir en términos generales, cuatro fases:
1-Entrega del protagonista
2-Su propósito
3-Mostración del obstáculo
4-Encuentro de las dos fuerzas en pugna.
Por lo tanto esta primera instancia nos revela el planteamiento del conflicto y de los personajes.
-Desarrollo de la acción dramática
La situación conflicto va progresando dinámicamente hasta llegar a un enfrentamiento decisivo delos personajes y sus contradicciones.Esto otorga la dimensión artística a la obra de teatro.Los diversos esfuerzos por superar a la fuerza antagónica dan lugar a un movimiento dramático.
-Desenlace de la acción dramática
Es la eliminación del obstáculo o la desaparición o anulación del protagonista.Al hablar de conflicto este puede materializar desde diversos puntos de vista.
Por eso, la fuerza antagónica puede ser un elemento externo o interno del propio sujeto, fuerza que obstaculiza el propósito de la fuerza protagónica.
Externa:
-Actos: se establecen en función del tiempo y del desarrollo de la acción. La distinción entre los actos y el paso de uno a otro en la representación se señala de diversas maneras: caída del telón, intervención del color, cambio de luces, etc.
-Cuadros: se establecen en función de los cambios espacio, de ambiente o época. A cada cuadro le corresponderá, por lo general, un cambio de decorado.
-Escenas: se corresponden con los períodos de tiempo y el lugar en los que intervienen los mismos personajes. El paso de una escena a otra viene determinada por la entrada o salida de alguno de los personajes.
-Cuadros: se establecen en función de los cambios espacio, de ambiente o época. A cada cuadro le corresponderá, por lo general, un cambio de decorado.
-Escenas: se corresponden con los períodos de tiempo y el lugar en los que intervienen los mismos personajes. El paso de una escena a otra viene determinada por la entrada o salida de alguno de los personajes.
Teatro:
El término teatro procede del griego theatrón, que puede traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.
El teatro forma parte del grupo de las artes escénicas.
El teatro forma parte del grupo de las artes escénicas.
Origen y Desarrollo:
Los orígenes históricos del teatro están asociados a la evolución de los rituales relacionados con la caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la agricultura, que desembocaron en ceremonias dramáticas a través de las cuales se rendía culto a las divinidades. Estos rituales también sentaban y reflejaban los preceptos espirituales del grupo social.
De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica, cuando esta idea religiosa fue llevada a la perfección. Se crearon entonces las representaciones teatrales, donde la coreografía, la música, la recitación y el texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del teatro tal cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha resaltado Aristófanes. En dicha época tanto comedia como tragedia permitía expresar ideas políticas, sociales y religiosas, necesarias para entender el tiempo en el que se vivía.
En el Antiguo Egipto (a mediados del segundo milenio antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con la muerte y la resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en las dramatizaciones.
A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el teatro popular cobra gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.
De este modo, el teatro es una de las disciplinas artísticas que puede identificarse con el tiempo en el que vive. Las obras teatrales responden al período en el que fueron creadas y permiten conocer a fondo los aspectos sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de su autor.
De todas formas, fue recién en la Grecia Clásica, cuando esta idea religiosa fue llevada a la perfección. Se crearon entonces las representaciones teatrales, donde la coreografía, la música, la recitación y el texto formaban un equilibrio inigualable. Entre los fundadores del teatro tal cual hoy lo concebimos se encontraron los creadores de las tragedias, tales como Esquilo, Sófocles y Eurípides, y de la comedia, género del que siempre ha resaltado Aristófanes. En dicha época tanto comedia como tragedia permitía expresar ideas políticas, sociales y religiosas, necesarias para entender el tiempo en el que se vivía.
En el Antiguo Egipto (a mediados del segundo milenio antes de Cristo), por ejemplo, solían representarse dramas con la muerte y la resurrección en Osiris. Ya por entonces se utilizaban disfraces y máscaras en las dramatizaciones.
A partir del Siglo XVI el teatro comenzó a alcanzar una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria. El español ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las figuras de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en Inglaterra y Francia el teatro popular cobra gran importancia donde destacaron las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.
De este modo, el teatro es una de las disciplinas artísticas que puede identificarse con el tiempo en el que vive. Las obras teatrales responden al período en el que fueron creadas y permiten conocer a fondo los aspectos sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de su autor.
Principales Autores:
William Shakespare:
Nació el 25 de abril de 1564 en el Reino Unido y se dedicó a escribir obras de teatro y poesía, además era actor. Su vida ha sido puesta en entredicho en más de una ocasión, sobre todo su sexualidad, sus ideas religiosas e incluso la autoría de sus obras. De todas formas, no existen pruebas que permitan saber si dicho rumor es verdadero, así que de momento es Shakespeare uno de los autores teatrales de mayor prestigio. Entre sus obras destacan “Hamlet”, “Romeo y Julieta” y “Otelo”.
Lope de Vega:
Es conocido como uno de los autores de teatro español más importantes de la península. Se cree que compuso más de 1.400 comedias y unas tantas tragedias. Sus obras se caracterizan por una originalidad poco común en su tiempo (rechazó el modelo clásico impuesto por los griegos), ofreciendo un teatro con carácter puramente nacional.
Además rompió con los esquemas aristotélicos que dividían al teatro en comedia y tragedia y en sus obras fusionó ambos estilos consiguiendo un estilo absolutamente nuevo y único. En sus obras se resalta el honor del pueblo, de los viejos y los campesinos, por mencionar algunas: “El mejor alcalde”, “Fuenteovejuna”, “El villano en su rincón”, “La estrella de Sevilla” y “El Caballero de Olmedo”.
Además rompió con los esquemas aristotélicos que dividían al teatro en comedia y tragedia y en sus obras fusionó ambos estilos consiguiendo un estilo absolutamente nuevo y único. En sus obras se resalta el honor del pueblo, de los viejos y los campesinos, por mencionar algunas: “El mejor alcalde”, “Fuenteovejuna”, “El villano en su rincón”, “La estrella de Sevilla” y “El Caballero de Olmedo”.
Jean Racine:
Nació en 1639 y se hizo famoso rápidamente con su tragedia “Andrómaca”. Posteriormente escribió “Británico”,”Mitrídates” y “Fedra”, entre otras. Se dice que con Racine la tragedia con un estilo clásico alcanzó su mayor esplendor, muchos críticos lo mencionan como el autor teatral por excelencia. Sus obras se caracterizan por presentar una acción clara y sencilla donde los acontecimientos son consecuencia inevitable de las pasiones de los personajes.
Molière
Nació en 1622 en Francia y fue un hombre entregado al teatro con toda el alma. Recorrió el país junto a una compañía teatral realizando labores de autor, actor y director durante más de 15 años. Se caracterizó por ser un hombre con capacidades innatas para el teatro, con una imaginación y una fuente inagotable de ocurrencias, que le permitieron gozar de gran popularidad, manteniendo a su público siempre alerta, pendiente de nuevas buenas representaciones teatrales, donde se les aseguraba la risa y el goce detrás de personajes irónicos pero sin escaparse del todo del realismo. Entre sus obras más famosas se encuentran “El misántropo”,”Don Juan” y “El enfermo imaginario”. Cuando se lo nombra, se habla del universo de Molière, sumamente rico y realista, mejor que el que cualquier autor haya podido crear jamás.
Tipos de Teatro:
Teatro Griego:
El teatro griego tuvo sus orígenes en el siglo VI a.C en las fiestas dionisíacas que se celebraban en honor al dios Doinisio.
Estas fiestas religiosas se efectuaban en la ciudad, alrededor de la segunda semana de marzo y en las afueras, ( las Diomisíacas de los Campos ) hacia septiembre. Duraban cinco días, el primero dedicado a la procesión, el segundo a la representación de cinco comedias y los tres últimos se dedicaban a una competición de tragedias. Cada día un escritor representaba tres tragedias previamente seleccionadas por altos funcionarios. Las obras eran seleccionadas por un jurado en concurso público; los poetas debían presentar tres tragedias y un drama. El vencedor recibía como premio una corona de oro y laureles.
Era un espectáculo al aire libre. Comenzaba por la mañana y seguía hasta la puesta de sol. El número de actores, nunca llegó a ser más de cuatro; el coro lo formaban 15 personas en las tragedias y 24 en las comedias. No había actrices: los papeles femeninos eran desempeñados por hombres. Los actores trabajaban en un escenario, que era una especie de plataforma cerrada hacia atrás por un muro. Vestidos con ropas suntuosas en las tragedias y vulgares para las comedias; los actores se ponían una máscara con rasgos exagerados con lo cual la voz adquiría mayor sonoridad.
El público se sentaba en graderías escalonadas, que formaban hemiciclo alrededor de la “orchestra”. Millares de personas de todas las clases sociales, acudían al teatro; y los que no podían pagar la pequeña cuota de entrada, percibían del Estado la ayuda necesaria.
Estas fiestas religiosas se efectuaban en la ciudad, alrededor de la segunda semana de marzo y en las afueras, ( las Diomisíacas de los Campos ) hacia septiembre. Duraban cinco días, el primero dedicado a la procesión, el segundo a la representación de cinco comedias y los tres últimos se dedicaban a una competición de tragedias. Cada día un escritor representaba tres tragedias previamente seleccionadas por altos funcionarios. Las obras eran seleccionadas por un jurado en concurso público; los poetas debían presentar tres tragedias y un drama. El vencedor recibía como premio una corona de oro y laureles.
Era un espectáculo al aire libre. Comenzaba por la mañana y seguía hasta la puesta de sol. El número de actores, nunca llegó a ser más de cuatro; el coro lo formaban 15 personas en las tragedias y 24 en las comedias. No había actrices: los papeles femeninos eran desempeñados por hombres. Los actores trabajaban en un escenario, que era una especie de plataforma cerrada hacia atrás por un muro. Vestidos con ropas suntuosas en las tragedias y vulgares para las comedias; los actores se ponían una máscara con rasgos exagerados con lo cual la voz adquiría mayor sonoridad.
El público se sentaba en graderías escalonadas, que formaban hemiciclo alrededor de la “orchestra”. Millares de personas de todas las clases sociales, acudían al teatro; y los que no podían pagar la pequeña cuota de entrada, percibían del Estado la ayuda necesaria.
Teatro Romano:
El teatro era el único género literario que en época de la helenización de cultura latina se había enriquecido ya en Roma con una rica tradición popular. Efectivamente, el carácter itálico se distinguía por una tendencia a la chanza, a lo grotesco y a lo mordaz (el italum acetum a que se refirió Horacio) que desde antiguo se plasmaba en representaciones improvisadas de gran raigambre popular. Desde época muy antigua, según transmite Tito Livio, los romanos imitaron a los histriones etruscos representando, criticando y ridiculizando a personajes políticos. Estos son los versos fesceninos, improvisaciones, no siempre de buen gusto, generalmente obscenas, en versos saturnios y las sátiras (saturae), representación total de música, baile, canto, mimo y farsa dramática. Estas representaciones satíricas romanas evolucionan desde las primitivas formas etruscas a variantes más autóctonas y originales romanas. Entre éstas destaca la fabula atellana, una especie de 1 Catártico: relativo a la catarsis psíquica o determinante de ella. – Catarsis: efecto que causa la tragedia en el espectador al suscitar y purificar la compasión, el temor u horror y otras emociones. 1 IES “Alagón” (Coria) Dpto. de Latín comedia con personajes estereotipados de los mismos perfiles: un fanfarrón, una especie de bocazas, un insulso e inocente enamorado, un personaje orgulloso, un viejo avaro, etc. También es popular y de mayor pervivencia en el mundo romano el mimo literario, un género en el que los papeles femeninos son representados por mujeres. Destaca además la pantomima, donde la expresión corporal juega un papel predominante.
Teatro Moderno:
Realismo:
El Realismo es un movimiento literario y pictórico que surgió a mediados del siglo XIX, marcando una ruptura con el Romanticismo.
El término "réalisme" comenzó a usarse a partir de la exposición de cuadros de Gustave Courbet, en 1850 en París. Courbet es considerado el padre de dicho movimiento que se caracteriza por la representación exacta de la realidad.
Pocos años después, el realismo se manifestó en el campo literario: en 1856 apareció la revista Réalisme, y el año siguiente se editó un volumen de ensayos de Champfleury titulado Le Réalisme, así como Madame Bovary, de Gustave Flaubert, consideraba la obra más emblemática de este movimiento.
En España son los escritores de la Generación de 1868 quienes aplican las doctrinas del Realismo a la literatura, principalmente al género novelístico: José María de Pereda, Benito Pérez Galdós, Juan Valera, Emilia Pardo Bazán, Leopoldo Alas "Clarín", Armando Palacio Valdés, entre otros.
Además de la marcada influencia de Honoré de Balzac y Émile Zola en las obras de la Generación de 68, los escritores españoles realistas también incorporaron las técnicas narrativas ya practicadas por los costumbristas quienes habían imitado el estilo descriptivo de Cervantes y el género picaresco. A principios de esta corriente, los realistas se centraban en el cultivo de la novela de tesis, género que tiene como fin defender determinadas posturas ideológicas, pero a partir de 1880 los escritores gravitaron más hacia una estética derivada del Naturalismo francés de Zola.
Características del Realismo:
Verosimilitud. Es importante que los personajes, el argumento y el lenguaje sean creíbles, como un espejo de la realidad.
Los realistas hacen hincapié en la mimesis, la imitación de la vida que el escritor logra a través de la observación minuciosa de la sociedad, la gente, su habla y sus costumbres.
Descripción detallada. No se deja nada a la imaginación. Los escritores describen las fisonomías de los personajes, sus personalidades, su debilidades, sus fortalezas, su vestidura, sus viviendas, su lenguaje, sus almas, etc.
Preferencia por un narrador omnisciente. Para describir a los personajes y sucesos con tanto detalle, el narrador no puede ser otro que omnisciente (que está enterado de todo, hasta de los pensamientos de los personajes).
Compromiso social. Algunos escritores incorporan al argumento ciertas posturas, sean políticas o religiosas. Por ende, prefirieron las novelas de tesis. Sin embargo, por tanto enfatizar estas posturas, en algunas de estas obras los personajes aparecen como estereotipos maniqueístas.
Estilo directo y natural. Los escritores realistas dejan atrás la grandilocuencia de los románticos. Buscan la naturalidad de la expresión y hasta emplean coloquialismos en el diálogo de los personajes.
Algunas obras del Realismo:
-La Fontana de Oro (1870), Galdós
-El audaz (1871), Galdós
-Pepita Jiménez (1874), Valera
-Doña Perfecta (1876), Galdós
-De tal palo, tal astilla (1880), Pereda
-La Regenta (1884-85), Clarín
-Fortunata y Jacinta (1886-87), Galdós
-Su único hijo (1890), Clarín
El término "réalisme" comenzó a usarse a partir de la exposición de cuadros de Gustave Courbet, en 1850 en París. Courbet es considerado el padre de dicho movimiento que se caracteriza por la representación exacta de la realidad.
Pocos años después, el realismo se manifestó en el campo literario: en 1856 apareció la revista Réalisme, y el año siguiente se editó un volumen de ensayos de Champfleury titulado Le Réalisme, así como Madame Bovary, de Gustave Flaubert, consideraba la obra más emblemática de este movimiento.
En España son los escritores de la Generación de 1868 quienes aplican las doctrinas del Realismo a la literatura, principalmente al género novelístico: José María de Pereda, Benito Pérez Galdós, Juan Valera, Emilia Pardo Bazán, Leopoldo Alas "Clarín", Armando Palacio Valdés, entre otros.
Además de la marcada influencia de Honoré de Balzac y Émile Zola en las obras de la Generación de 68, los escritores españoles realistas también incorporaron las técnicas narrativas ya practicadas por los costumbristas quienes habían imitado el estilo descriptivo de Cervantes y el género picaresco. A principios de esta corriente, los realistas se centraban en el cultivo de la novela de tesis, género que tiene como fin defender determinadas posturas ideológicas, pero a partir de 1880 los escritores gravitaron más hacia una estética derivada del Naturalismo francés de Zola.
Características del Realismo:
Verosimilitud. Es importante que los personajes, el argumento y el lenguaje sean creíbles, como un espejo de la realidad.
Los realistas hacen hincapié en la mimesis, la imitación de la vida que el escritor logra a través de la observación minuciosa de la sociedad, la gente, su habla y sus costumbres.
Descripción detallada. No se deja nada a la imaginación. Los escritores describen las fisonomías de los personajes, sus personalidades, su debilidades, sus fortalezas, su vestidura, sus viviendas, su lenguaje, sus almas, etc.
Preferencia por un narrador omnisciente. Para describir a los personajes y sucesos con tanto detalle, el narrador no puede ser otro que omnisciente (que está enterado de todo, hasta de los pensamientos de los personajes).
Compromiso social. Algunos escritores incorporan al argumento ciertas posturas, sean políticas o religiosas. Por ende, prefirieron las novelas de tesis. Sin embargo, por tanto enfatizar estas posturas, en algunas de estas obras los personajes aparecen como estereotipos maniqueístas.
Estilo directo y natural. Los escritores realistas dejan atrás la grandilocuencia de los románticos. Buscan la naturalidad de la expresión y hasta emplean coloquialismos en el diálogo de los personajes.
Algunas obras del Realismo:
-La Fontana de Oro (1870), Galdós
-El audaz (1871), Galdós
-Pepita Jiménez (1874), Valera
-Doña Perfecta (1876), Galdós
-De tal palo, tal astilla (1880), Pereda
-La Regenta (1884-85), Clarín
-Fortunata y Jacinta (1886-87), Galdós
-Su único hijo (1890), Clarín
Simbolismo:
Fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva. Para los simbolistas, el mundo es un misterio por descifrar, y el poeta debe para ello trazar las correspondencias ocultas que unen los objetos sensibles (por ejemplo, Rimbaud establece una correspondencia entre las vocales y los colores en su soneto Vocales). Para ello es esencial el uso de la sinestesia.
El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría.
La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas.
El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. El escritor Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, influyó también decisivamente en el movimiento, proporcionándole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría.
La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas.
Expresionismo:
Estilo propio con aspectos comunes respetadas por todos sus adeptos, el expresionismo fue un movimiento eminente mente heterogéneo que convocó a diversos artistas con las más diferentes tendencias formaciones y niveles intelectuales, pero con una coincidencia: la reacción en común contra los postulados del simbolismo, es decir, básicamente surgió como un opuesto a este.
Los expresionistas, básicamente defendían un arte más intuitivo y personal
Los expresionistas, básicamente defendían un arte más intuitivo y personal
Existencialismo:
El teatro existencialista nació a mitades del siglo XX en Francia.
El Existencialismo refleja una realidad interna
y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. Este teatro se diferencia de los demás por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea, los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras, pobreza, conflictos entre países, violencia entre otros.Este teatro se enfocaba principalmente en la crítica, para posteriormente alentar al público sobre acciones, que cambiasen el ambiente criticado.
El Existencialismo refleja una realidad interna
y una preocupación extrema por la técnica utilizada para expresar diferentes situaciones y sentimientos. Este teatro se diferencia de los demás por centrarse en el tema del individuo y la circunstancia que lo rodea, los cuales suelen ser problemas actuales y de toda una sociedad como los son conflictos tales como guerras, pobreza, conflictos entre países, violencia entre otros.Este teatro se enfocaba principalmente en la crítica, para posteriormente alentar al público sobre acciones, que cambiasen el ambiente criticado.
Elementos del Montaje Escénico:
Podemos definir al montaje escénico como el proceso en donde se contemplan esos sucesos o acciones, es decir, en donde se crea una obra teatral para representarla ante un publico. En el montaje escénico intervienen los siguientes elementos:
Texto Teatral:
Escrito de carácter literario, preparado para su representación en un escenario. • CARACTERÍSTICA PRINCIPAL: Los personajes, representados por los actores, componen con su acción y con el diálogo la historia ideada por el autor, quien, mediante las acotaciones, plantea la representación virtual de la obra. • CLASIFICACIÓN: 1. Según su naturaleza Literario (género teatral o dramático) 2. Según la forma de expresión Diálogo (en prosa o verso) Texto Primario Narración y descripción Texto Secundario 3. Según el registro Culto
Dirección:
El Director de Teatro el cargo principal de cualquier puesta en escena teatral. Se encarga de responder por la producción, la puesta en escena, la interpretación del concepto por parte de los actores, la escenografía, la musicalización de la obra, supervisa la ambientación, vestuario, decorado, iluminación y equipos de filmación para garantizar la calidad del producto final. Es el responsable final del resultado ante los inversionistas.
Actuación:
Es el proceso de investigación personal que hace el actor para descubrir a un futuro personaje a representar. Dicho proceso comienza desde una interiorización para conocer el principio de dicho personaje y traerlo desde lo más profundo y transformarlo en un personaje integrado. La actuación es descrita como acciones hechas por un personaje dentro de la representación teatral. Aunque dichas acciones son auténticas, deberían por lo menos estar cargadas de una intención que permita que el observador se estimule y logre recibir el mensaje en su totalidad.
La actuación es el poder de llevar a cabo acciones significativas y ver los resultados de nuestras decisiones y elecciones.
La actuación es el poder de llevar a cabo acciones significativas y ver los resultados de nuestras decisiones y elecciones.
Escenografía:
Ésta puede ser llamada puntura de escena. Consiste en un conjunto de elementos que componen un espacio teatral, los escenarios y auditorios, cuya función es ambientar la obra según el marco narrativo para su mejor desarrollo.
Tipos de escenografías
Las escenografías se pueden clasificar generalmente en: realista, abstracta, sugerente y funcional.
Realista: este tipo de recreación trata de conseguir el mayor grado de verosimilitud a la obra acorde al lugar en donde suceden los acontecimientos. Se utilizan paneles ligeros, aptos para moverlos fácilmente, almacenarlos y re-usarlos. La decoración de estos paneles son casi siempre pintados.
Un efecto especial utilizado en este tipo de montaje es una pequeña inclinación ascendente desde el borde delantero hasta la parte de atrás del escenario para que el espectador tenga una mejor vista de la escena.
Algunos mobiliarios o accesorios decorativos están presentes en las escenas, pero generalmente no están muy amobladas con el fin de dejar el espacio vacío para que los actores tengan lugar para su expresión.
También existe el esquema de caja, en el cual tres paneles encierran la escena y hacen al público sentirse intrusos.
El diseñador, en todas las obras, controla los efectos a partir de colores y la disposición de todas las cosas colocadas en el escenario.
El naturalismo, se relaciona mucho con el realismo, ya que la expresión es el tope máximo de éste. En el naturalismo, aparecen los problemas de la sociedad y la actualidad, y a veces el mensaje pueda ser agresivo y por otra parte reflexivo. El realismo trata de ser verosímil manteniendo una escenografía bien decorada.
Abstracta: Es un montaje que no se centra en ningún lugar ni tiempo específico. Frecuentemente, tiene: escaleras, cortinas, paneles, rampas, plataformas u otros elementos sin determinar.
Tiene gran influencia en el teatro contemporáneo, más que nada en los inicios del siglo XX. Es utilizada por aquellas obras que no se basan en ningún espacio determinado, o aquellas que quieren dar una sensación de atemporalidad o universalidad. Es la indicada para obras de Shakespeare, por ejemplo, ya que se necesita un cambio de escenografía rápido y no está bien descrito en los guiones el marco narrativo. Se ponen unos pocos objetos significativos y queda un espacio realmente grande para que los actores se expresen libremente, como es requerido. La danza también usa este tipo de montaje, ya que nuevamente no se necesita nada en claro, solo algunas cosas decorativas para el ambiente.
El espectador desarrolla su imaginación, ya que no es una escenografía cargada, ni descriptiva, ni objetiva. Se resaltan más el texto, el vestuario y la iluminación, que son todo en el escenario. El público disfruta más la actuación que la vista del montaje, el sentido teatral y el despliegue artístico.
Sugerente: Otro nombre para este tipo de escenografía es teatro no japonés. La representación se ejecuta en un escenario donde se distribuye el público. Los actores entran en escena a través de un pasillo, llamado el puente, señalado por tres pinos. Este tipo de montaje, sugiere un lugar creado por un objeto general como un auto, un barco, un edificio, etc. Su efecto escénico se logra eliminando las cosas no tan prescindibles o al combinar pedazos de un decorado realista y objetos abstractos.
A diferencia de la escenografía abstracta, la sugerente alcanza una cierta situación en un tiempo y lugar concretos. A estos escenarios se los puede confundir con oníricos, fragmentarios, desnudos o surrealistas.
Funcional: Esta responde directamente a las necesidades de los intérpretes. Es la menos usada en funciones dramáticas, es la que se utiliza en los circos. Los elementos escénicos básicos, son los fijados por los artistas.
Tipos de escenografías
Las escenografías se pueden clasificar generalmente en: realista, abstracta, sugerente y funcional.
Realista: este tipo de recreación trata de conseguir el mayor grado de verosimilitud a la obra acorde al lugar en donde suceden los acontecimientos. Se utilizan paneles ligeros, aptos para moverlos fácilmente, almacenarlos y re-usarlos. La decoración de estos paneles son casi siempre pintados.
Un efecto especial utilizado en este tipo de montaje es una pequeña inclinación ascendente desde el borde delantero hasta la parte de atrás del escenario para que el espectador tenga una mejor vista de la escena.
Algunos mobiliarios o accesorios decorativos están presentes en las escenas, pero generalmente no están muy amobladas con el fin de dejar el espacio vacío para que los actores tengan lugar para su expresión.
También existe el esquema de caja, en el cual tres paneles encierran la escena y hacen al público sentirse intrusos.
El diseñador, en todas las obras, controla los efectos a partir de colores y la disposición de todas las cosas colocadas en el escenario.
El naturalismo, se relaciona mucho con el realismo, ya que la expresión es el tope máximo de éste. En el naturalismo, aparecen los problemas de la sociedad y la actualidad, y a veces el mensaje pueda ser agresivo y por otra parte reflexivo. El realismo trata de ser verosímil manteniendo una escenografía bien decorada.
Abstracta: Es un montaje que no se centra en ningún lugar ni tiempo específico. Frecuentemente, tiene: escaleras, cortinas, paneles, rampas, plataformas u otros elementos sin determinar.
Tiene gran influencia en el teatro contemporáneo, más que nada en los inicios del siglo XX. Es utilizada por aquellas obras que no se basan en ningún espacio determinado, o aquellas que quieren dar una sensación de atemporalidad o universalidad. Es la indicada para obras de Shakespeare, por ejemplo, ya que se necesita un cambio de escenografía rápido y no está bien descrito en los guiones el marco narrativo. Se ponen unos pocos objetos significativos y queda un espacio realmente grande para que los actores se expresen libremente, como es requerido. La danza también usa este tipo de montaje, ya que nuevamente no se necesita nada en claro, solo algunas cosas decorativas para el ambiente.
El espectador desarrolla su imaginación, ya que no es una escenografía cargada, ni descriptiva, ni objetiva. Se resaltan más el texto, el vestuario y la iluminación, que son todo en el escenario. El público disfruta más la actuación que la vista del montaje, el sentido teatral y el despliegue artístico.
Sugerente: Otro nombre para este tipo de escenografía es teatro no japonés. La representación se ejecuta en un escenario donde se distribuye el público. Los actores entran en escena a través de un pasillo, llamado el puente, señalado por tres pinos. Este tipo de montaje, sugiere un lugar creado por un objeto general como un auto, un barco, un edificio, etc. Su efecto escénico se logra eliminando las cosas no tan prescindibles o al combinar pedazos de un decorado realista y objetos abstractos.
A diferencia de la escenografía abstracta, la sugerente alcanza una cierta situación en un tiempo y lugar concretos. A estos escenarios se los puede confundir con oníricos, fragmentarios, desnudos o surrealistas.
Funcional: Esta responde directamente a las necesidades de los intérpretes. Es la menos usada en funciones dramáticas, es la que se utiliza en los circos. Los elementos escénicos básicos, son los fijados por los artistas.
Nuevas Tendencias de la Escenografía
Todo contribuye a la formación de las nuevas tendencias escenográficas para que los problemas dejen de ser de orden exterior. Las habitaciones se cierran con paredes y plafones, porque el naturalismo exige una realidad ambiente que no se consigue con bastidores y telones de fondo. El gas sustituye la iluminación a vela y aceite. En 1887, el Teatro Libre de Antoine, en París, buscaba la verdad en el decorado haciendo aparecer una fuente de la que brotaba agua durante la representación. Las estéticas se suceden como las teorías; así vemos como el simbolismo necesita de una nueva fórmula (1890): La decoración debe ser una pura ficción ornamental que complete la ilusión por sus analogías de color y de líneas con el drama. Pintores como Maurice Denis y Odilón Redon se adhirieron a éste principio y un hombre de teatro como Lugné-Poé dio su talento a las iniciativas del momento en el teatro de l’Oeuvre
Todos los ballets de Diaghilev (1909) descubren escenógrafos de la talla de Backs, Benois y Roerich. En Alemania se trabajaba con entusiasmo bajo las directivas de Max Reinhardt, y de Stanislavsky, director del Teatro de Arte de Moscú y una de las figuras de la vanguardia. En Inglaterra existía Gordon Craig, un genio del teatro, que luchaba por dar un estilo al escenario para que no se confundiera con la realidad. Adolfo Appia y George Fuchs proyectaban iniciativas profundas.
Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena.
Pablo Picasso hizo decorados para el ballet de Manuel de Falla, El Sombrero de Tres Picos, y Jacques Copeau así como Gaston Baty, Luis Jouvet y Charles Dullin acogieron fervorosamente las más audaces tendencias. Antón Giulio Bragaglia y Enrico Prampolini en Italia crearon escenografías dentro de directivas muy personales.
Los rusos han tenido siempre el sentido del teatro. En Rusia fue donde los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev nacieron, revelándonos la escenografía de Shéhérazade, cuya influencia duró más de diez años en la decoración teatral.
Después de la Revolución de Octubre el teatro ruso alcanza un gran desarrollo. El teatro de Estado de Meyerhold es uno de los más audaces laboratorios de mise en scène de la Rusia Soviética. No hay que olvidar tampoco al Teatro Kamerny al Stanislavsky, al Habima y las realizaciones logradas por Tairov.
Todos los ballets de Diaghilev (1909) descubren escenógrafos de la talla de Backs, Benois y Roerich. En Alemania se trabajaba con entusiasmo bajo las directivas de Max Reinhardt, y de Stanislavsky, director del Teatro de Arte de Moscú y una de las figuras de la vanguardia. En Inglaterra existía Gordon Craig, un genio del teatro, que luchaba por dar un estilo al escenario para que no se confundiera con la realidad. Adolfo Appia y George Fuchs proyectaban iniciativas profundas.
Todo estaba preparado para recoger las grandes ventajas que aportaba la electricidad. La transformación había llegado. Existía de hecho una luz que podía exaltar el color, proyectar sombras, crear atmósferas no conocidas hasta entonces y dar relieve a lo corpóreo en la escena.
Pablo Picasso hizo decorados para el ballet de Manuel de Falla, El Sombrero de Tres Picos, y Jacques Copeau así como Gaston Baty, Luis Jouvet y Charles Dullin acogieron fervorosamente las más audaces tendencias. Antón Giulio Bragaglia y Enrico Prampolini en Italia crearon escenografías dentro de directivas muy personales.
Los rusos han tenido siempre el sentido del teatro. En Rusia fue donde los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev nacieron, revelándonos la escenografía de Shéhérazade, cuya influencia duró más de diez años en la decoración teatral.
Después de la Revolución de Octubre el teatro ruso alcanza un gran desarrollo. El teatro de Estado de Meyerhold es uno de los más audaces laboratorios de mise en scène de la Rusia Soviética. No hay que olvidar tampoco al Teatro Kamerny al Stanislavsky, al Habima y las realizaciones logradas por Tairov.
Iluminación:
Iluminar no es algo tan simple como arrojar luz sobre el escenario, sino que supone una buena disposición de la iluminación de los ángulos correctos, iluminación posterior, frontal, lateral, y equilibrio de colores. Excepto en el caso de los efectos especiales, el diseño de iluminación busca la discreción; y es que no debe haber una luz más grande, que la de un actor en escena. Con la utilización inteligente del color, la intensidad y la distribución de la luz se pueden lograr ciertos efectos subliminales/emocionales en las percepciones del espectador. Se pone la luz al servicio de la emoción, y como “dictadora” del ojo, lo conduce hacia donde cree que debe ir.
Telón de Boca:
Cortina que separa al escenario de la sala.
Utilería:
Conjunto de objetos necesarios para el desarrollo de la actuación.
Vestuario:
Es el conjunto de prendas con que se cubre el cuerpo. El término puede utilizarse como sinónimo de vestido. Por ejemplo: “Aún no elegí el vestuario para esta noche”, “Tu madre siempre se destaca por su elegante vestuario”, “Creo que no tengo vestuario apropiado para esta ocasión”.
Otro uso del concepto está vinculado al conjunto de trajes que se utilizan para una representación escénica: “Lo que más me gustó de la obra fue el vestuario de los actores”, “El diseñador argentino ha sido premiado en Broadway por el vestuario de una exitosa obra teatral”, “Lamento informarles que la función de esta noche será suspendida por problemas de vestuario”.
Otro uso del concepto está vinculado al conjunto de trajes que se utilizan para una representación escénica: “Lo que más me gustó de la obra fue el vestuario de los actores”, “El diseñador argentino ha sido premiado en Broadway por el vestuario de una exitosa obra teatral”, “Lamento informarles que la función de esta noche será suspendida por problemas de vestuario”.
Sonido:
La acústica o teoría de los sonidos aplicada la Teatro es decir el hecho de que todos los parlamentos, ruidos, efectos sonoros, música ambiental y de fondo que se emiten durante el espectáculo, sean audibles para el público, sin excepción alguna-, ha sido uno de los problemas que, a lo largo de los siglos, ha tropezado con más dificultades para solucionarse.
